Arte conceptual

El Arte conceptual refiere un movimiento que emergió a mediados de los años 60 y que apropió ideas más allá de los componentes formales o visuales de la obra de arte tradicional. Los artistas que se vieron envueltos en esta expresión, fueron motivados por el reto de subvertir los presupuestos acerca del arte, conceptos como belleza, calidad, y la diferencia entre un documento y una obra de arte.

También cuestionaron los significados convencionales a través de los cuales el público consumía arte, y como era procesado a través de un creciente complejo de galerías, museos y críticos; instituciones que, ellos creían, le daban a la obra nuevos significados con los que muchas veces estaban inconformes. Para cuestionar estas convenciones, reconstruyeron el objeto de arte convencional, a menudo pasando por instituciones convencionales, y presentaron trabajos en diversos medios, desde mapas y diagramas hasta textos y videos. El conceptualismo fue una amalgama de varias tendencias, la mayoría de ellas perdieron su ímpetu a principios de los 70 pero quedó una de los más influyentes movimientos del arte reciente.

Definición​

El Arte conceptual es un forma contemporánea de representación artística, en la cual, una idea o concepto específico, muchas veces personal, complejo e inclusivo, toma una forma abstracta, no convencional, basada en la negación de principios estéticos. El Arte conceptual es diferente del “Concepto” visto como contenido del arte, pero puede ser considerado una forma abstracta de la idea y de la percepción del trabajo artístico originada en la mente del artista, que luego puede ser presentada en una variedad de formas.

A través del uso de diversas técnicas, el Minimalismo, el Performance, la Instalación,… los artistas conceptuales buscaron reinterpretar lo que los artistas Pop ya habían presentado de una forma desorganizada y sin bases en la teoría del arte. De hecho, definiendo el concepto de un objeto, de diversas formas y a través de una presentación lingüística y con explicaciones escritas, cuestionaron directamente la más intrínseca naturaleza del arte, sus aspectos mentales e imaginarios.

En el arte conceptual, la relación entre artista, obra de arte y espectador fue transformada. Una obra de Arte conceptual no es una mera narración de la naturaleza en sus muchas variantes; los artistas, a través de inferencias personales, utilizan los elementos disponibles de la expresión para representar no solamente la naturaleza de los objetos sino además temas políticos, sociales y tecnológicos. En muchos casos el espectador, y a veces el artista en sí mismo son parte íntegra de la obra de arte y su concepto base.

Ideas claves

De cierta forma el Arte conceptual representa una extensión de la urgencia del auto reflexión y el auto criticismo del arte moderno. Desde Monet, los artistas han estado cuestionando varios aspectos del arte, el soporte material, el carácter de la audiencia, así como las instituciones que le confieren un valor a la obra. Los artistas conceptuales solamente dieron un empujón más al abandonar los medios tradicionales.

Una de las características de muchas de las obras conceptuales es su radical desmaterialización. Los artistas que siguieron esta corriente estaban muchas veces influenciados por la simplicidad del Minimalismo, pero deseaban apartarse de las audaces y voluminosas formas de la escultura Minimalista buscando un arte lo más desnudo de esencias, un arte que no necesitara tomar formas físicas.

Los artistas conceptuales vincularon su trabajo a la tradición de la obra de arte antiestética cuyo mejor exponente fue probablemente Marcel Duchamp. Abandonando la noción tradicional de objeto de arte como algo bello, finamente trabajado y atentamente terminado. Los artistas conceptuales problematizaron con la categoría Arte en sí misma.

El análisis de arte fue seguido por muchos artistas conceptuales que los animó a creer que, si la obra de arte era comenzada por el artista era, de alguna forma, completada por la audiencia. Esta idea ganó ímpetu más tarde en lo que fue llamado "crítica institucional", en la que los artistas viraron su atención a los contextos institucionales en los que el arte era exhibido, y por tanto a los valores sociales, políticos y culturales de la sociedad en general. Un ejemplo famoso de esto es la Votación (1970) en el MoMA de Hans Haacke, en el que usa una urna en la que los visitantes del MoMA podían criticar a uno de los miembros del consejo directivo del MoMA.

Inicios

Probablemente el más importante precedente de Arte conceptual fue el trabajo del artista Dada, Marcel Duchamp, quién a inicios del siglo 20 estableció la idea de “readymade”, el objeto encontrado que es elegido por el artista para convertirse en obra de arte. Duchamp inauguró la idea en 1913]] con La rueda de bicicleta, que consta de una sola rueda de bicicleta montada invertida hacia abajo por el tenedor en una banqueta de madera, posiblemente el más famosos de sus “readymades” es sin duda Fuente (1917), que era nada más que un orinal de porcelana, reorientado 90 grados, emplazado en un sitio y firmado “R. Mutt”. En los 50, mucho después de que muchos de sus originales readymades se perdieran, Duchamp re-hizo obras como Rueda de bicicleta y Fuente para la Galería Sidney Janis de Nueva York. Esto sirvió para alentar un resurgimiento en el interés por su trabajo, que no solo llevó a la aparición del Neo Dada sino que además despertó un amplio interés en el arte basado en la idea en todo el mundo del arte contemporáneo.

Uno de los primeros en seguir la noción de arte basado en idea fue Joseph Kosuth. Siendo uno de los pioneros de este estilo en Nueva York a mediados de los 60, Kosuth desarrolla un modelo altamente analítico basado en la premisa de que el arte debía cuestionar continuamente su propia intención. Lanzando sus ideas más famosas en un ensayo de tres partes titulado “El arte después de la filosofía” (1969), Kosuth argumenta que era necesario abandonar los medios tradicionales para continuar este auto criticismo. Kosuth cuestionó la noción de que el arte necesariamente necesitara ser manifestado en una forma visual.

Ejemplo de este fenómeno basado en idea es la Declaración de intenciones de Lawrence Weiner, en la cual anuncia que estaba renunciando a la práctica de crear obras de arte físicas. Justifica esto estableciendo que, “El arte que impone condiciones –humanas o de otro tipo- al receptor para su apreciación en mi opinión constituye fascismo estético”.

Propuestas como esta eran generalmente tenían la intención de abrir las posibilidades del arte (Los Artistas conceptuales no argumentaban que el arte debía ser de una forma u otra). Podían hasta ser tomados como obra de arte ellos mismos, aunque los artistas tendían a permitir cierta ambigüedad en vez de designar qué era y qué no era arte.

Con el advenimiento de nuevas corrientes artísticas en los 60, forma y contenido de la obra de arte y su relación con la humanidad y el entorno era una vez más una meria de discusión. Los artistas estaban utilizando las últimas tecnologías avanzadas para expresar sus conceptos. La habilidad de grabar magnéticamente imágenes y sonidos y reproducir lo grabado en cualquier cantidad de pantallas, trajo al Video arte a las exposiciones de artes visuales.

En 1965, los Minimalistas inspirados en la abstracción geométrica, utilizaron las formas más simples concebibles en composiciones industriales esforzándose por lograr el mejor efecto posible en el espectador tratando de modificar lo menos posible la forma.

En 1968, un grupo de ingleses conocidos como "Art and Language Group" se juntaron para discutir teoría y práctica en relación a la creatividad artística. Este grupo negaba la aproximación y métodos del "Arte por el arte" derivados del modernismo, creyendo que la fuente del significado en artes visuales debía ser el lenguaje y por consiguiente sus trabajos estaban compuestos de palabras y explicaciones escritas.

Joseph Kosuth era miembro de este grupo, que utilizó el texto escrito en diferentes niveles; en "One and Three Chairs", combinó una silla real, una imagen a tamaño real de una silla y una entrada al diccionario de la palabra, cuestionando la realidad del tema contenido y de la obra de arte.

Durante estos años, un número de artistas en América y en Europa dejaron sus estudios para hacer uso del vasto expansivo a disposición en la naturaleza, en mares, desiertos, granjas y sitios accesibles. Estos trabajos son categorizados como "Land Art", trabajos erigidos a gran escala que expresan el carácter efímero de este arte, que expresa la pasión mutua entre el hombre y la naturaleza.

Por otro lado estaban aquellos que consideraban el cuerpo humano el mejor medio para comunicar con la audiencia del arte. Al mismo tiempo que combinaban las cualidades de las artes visuales, con movimientos corporales y habilidades para la actuación; a veces usando violencia y repulsivas conductas hacia el cuerpo humano, frecuentemente realizado por el artista de manera que impactara, los partidarios de esta forma de arte introdujeron sus conceptos. Este arte surgió con los nombres de Performance, Happening y Body Art.

A pesar de que todas estas diversas manifestaciones tuvieron lugar más o menos independientes una de otra en distintos lugares, fue en 1968 que el movimiento fue fusionándose alrededor de la idea de Arte conceptual. En ese año, una serie de exhibiciones se llevaron a cabo en Nueva York organizadas por el curador Seth Siegelaub. En 1969, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) juntó a un grupo de artistas del movimiento para una exposición titulada "Information".

Precursores

Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras la Segunda Guerra Mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa, EE.UU. y Japón. Dos figuras destacan como manantiales de nuevas ideas: el antes mencionado Marcel Duchamp(que emigró a EE.UU. durante la Primera Guerra Mundial) y el compositor estadounidense practicante del budismo zen John Cage. Sin embargo, fue en los límites de la pintura, donde se concentraron las actividades vanguardistas. En EE.UU., Robert Rauschenberg y Jasper Johns transformaron la pintura con objetos cotidianos y eventos fortuitos, y cuestionaron su situación privilegiada en tanto que objeto especial. En Japón, las obras basadas en la performance del grupo Gutai ampliaron el informalismo y la action painting hasta transformarlos en actos rituales de agitación.

En Francia e Italia, Yves Klein y Piero Manzoni respectivamente desarrollaron prácticas vanguardistas paralelas en las que realizaron el contenido ideal de la experiencia artística a partir de su concepción alternativa del significado metafísico del monocromo. En cada paso, la ampliación hasta la destrucción de la idea de la pintura alentó un interés por lo efímero y lo inmaterial que prefiguró el "arte conceptual" con conciencia de su propia identidad subsiguiente.